Quatorze ans après sa création, le groupe de Birmingham (Alabama) peut se targuer d’être à la tête de l’une des plus belles discographies de la soul contemporaine. Une œuvre où chaque chapitre diffère du précédent, nourrie par une inspiration hors norme, une musicalité exceptionnelle et un appétit de renouvellement insatiable. Ajoutons à cela un niveau d’engagement et d’exigence bien supérieur à la moyenne, doublé d’une capacité de travail leur permettant d’enchaîner les concerts à un rythme élevé, de diriger leur propre label et de se démultiplier sur le plan médiatique, en particulier vidéo.

À l’heure où ils publient un nouvel EP confondant de beauté (″Proxy″, couronné du Pied dans nos colonnes) et continuent de se produire régulièrement en Europe, nous avons voulu faire le point avec leur leader, chanteur et compositeur Paul Janeway.

Pouvez-vous revenir sur les conditions d’écriture et d’enregistrement de votre dernier EP ?

Nous l’avons en fait enregistré en même temps que notre album éponyme [sorti en 2025], à Muscle Shoals, dans les studios FAME. Nous avions finalisé quatorze titres en tout. On s’est dit : « On en met dix sur l’album, et on sort les quatre autres l’année suivante ». Nous les aimions toutes, mais aujourd’hui, le public n’a plus l’habitude d’absorber autant de musique d’un seul coup. La tendance, c’est plutôt : « Donne m’en un petit peu chaque jour ». Nous devons donc maintenir un contact quasi-constant, en publiant un single par-ci, un inédit par-là. Et comme nous voulions que “Proxy” recueille l’attention qu’il mérite, car il a son identité propre, nous l’avons sorti indépendamment de l’album.

Vous avez aussi créé votre propre label, Oasis Pizza Records. Une manière d’être totalement indépendant ?

On a toujours eu un esprit indépendant. À un moment, il faut choisir : signer sur une major, dans l’espoir qu’ils investissent beaucoup sur vous, mais aussi perdre le contrôle et travailler selon leurs règles. Pour nous, vu l’état de l’industrie du disque, ça n’avait plus de sens, plus d’inconvénients que d’avantages. On a voulu prendre la main, tout simplement.

Cela a‑t‑il accru votre liberté artistique ?

Pas vraiment. Au grand désarroi de nos anciens labels, nous n’avons jamais changé notre manière de faire. Tu ne peux pas laisser le commerce dicter la création, ni la création dicter le commerce. Tu fais ce que tu aimes. Ce qui a changé, c’est qu’on est plus à l’aise avec qui nous sommes. C’est ça, la maturité ! [Rires]

Vous tournez toujours énormément. Combien de concerts cette année ?

Beaucoup. Cette année, on en aura donné 120. C’est notre boulot et on adore ça. Par les temps qui courent, il n’est pas si fréquent d’exercer une activité qui vous plaise. Nous, si. Alors on va au charbon pour payer nos factures, bien sûr, mais aussi parce que c’est notre passion.

Avec le temps, votre niveau d’envie ne diminue pas ?

Je suis toujours motivé à 100%. Peut‑être qu’un jour je ralentirai, mais pas maintenant. Quand on a commencé, on jouait pas mal en France, puis ça s’est calmé à cause des labels et de la distribution. Maintenant, on revient, on met de l’énergie pour jouer dans différents endroits. On croit au public français. On a reçu beaucoup d’amour là-bas. Alors, nous devons beaucoup travailler en retour. Et ça, ça ne nous dérange pas.

Envisagez‑vous de signer d’autres artistes ?

C’est une question intéressante. Dans un monde idéal, oui. Mais pour l’instant, le groupe est la priorité. Si certains membres veulent sortir un disque, on en parlera, il y a beaucoup de talents dans le groupe. Mais pour l’instant, c’est St. Paul & The Broken Bones.

Vous avez réenregistré intégralement votre album précédent dans les conditions du live [ʺLive At Southern Groovesʺ ; 2026], une démarche très inhabituelle. Pour quelle raison ?

À la base, on voulait juste tourner une vidéo dans le superbe studio de notre ami Matt Ross‑Spang (1), à Memphis. On a fini par jouer l’intégralité du disque et à la réécoute, ça sonnait vraiment bien. Alors on s’est dit : sortons‑le ainsi. Les choses se sont vraiment passées comme ça : la vidéo d’abord, puis l’album ensuite, parce que les prises étaient très bonnes, parfois meilleures que les versions originales, en tout cas assez différentes !

Votre écriture se distingue par l’originalité de ses thèmes et la manière dont vous les formalisez. Comment écrivez‑vous ? Vous consignez vos idées dans un carnet, comme certains de vos collègues ?

Je prends des notes sur mon téléphone. Quand l’inspiration débarque, j’écris. Je suis exigeant sur la signification des mots, leur sens profond. Et si l’un des musiciens a une bonne idée, j’ouvre grand les oreilles. Quand tu travailles avec des gens talentueux – c’est mon cas -, tu te dois d’écouter leurs propositions. Par exemple, pour le dernier album, j’ai travaillé avec Eg White (2). Je me suis rendu à Londres pour bosser avec lui. On empilait des mélodies, je rebondissais sur ses idées. Quelle que soit la méthode, seul ou accompagné, le but, c’est d’écrire la meilleure chanson possible. Rien d’autre ne compte.

Et comment savez‑vous qu’une chanson est bonne ?

Je ne sais pas… Parfois, tu écris un truc et tu te dis immédiatement : j’aime ça ! Parfois, ça prend du temps. Nous sommes déjà en train de composer pour le prochain album, on reprend des idées vieilles de trois ou quatre ans, des choses à moitié commencées, et on les termine. C’est un travail d’artisan. On assemble, on teste, on peaufine. Le procédé est empirique. Je suis très agnostique en matière d’écriture.

Vos morceaux sont précis, très écrits. Quel espace de liberté laissez-vous aux musiciens ?

Nous sommes huit. Vous ne pouvez pas avoir huit personnes qui proposent des idées en même temps. Il faut toujours se demander si la proposition sert la chanson. Un guitariste a naturellement tendance à se focaliser sur sa guitare, sur sa partie seulement, pas sur la mélodie. Il faut lui demander : ″est‑ce que ce que tu joues sert le morceau ? ″ Avec le temps, nous sommes devenus meilleurs là-dessus. Donc parfois les arrangements sont fixes, parfois ils sont plus libres. Mais la chanson passe avant tout.

Ressentez-vous une évolution dans votre écriture ?

Oui. À 100 %. Au bout de quatorze ans, j’ai l’impression d’être titulaire d’un doctorat en songwriting. Pas que ça me rende meilleur, non, mais je comprends mieux comment ça fonctionne. Quand tu débutes, tu es un jeune groupe, tu n’analyses pas consciemment ce que tu fais. Maintenant, je sais. La priorité : ne pas perdre le feeling. Si tu deviens trop technique, tu perds l’âme. Il est là, le risque.

Avec toute cette expérience accumulée, ressentez-vous encore le besoin de faire appel à un producteur ?

Il est possible – et parfois même souhaitable, lorsque c’est le fruit d’une démarche artistique volontaire – de s’auto‑produire. Je note cependant que quand les groupes font ce choix, ils peuvent sombrer dans… l’égocentrisme, voire l’indulgence. Il faut quelqu’un pour vous challenger. D’où l’importance de choisir le bon producteur. En ce sens, Eg White était parfait pour nous. C’est bien d’avoir une autre paire d’oreilles. Une vision plus large.

Avec le recul, quel regard portez-vous sur votre premier album, ″Half the City″ [2014] ?

Je dirais… Nous étions jeunes, jeunes, jeunes [Rires]. Ce disque dégage une énergie punk‑rock. Le son n’est pas propre, ni lisse. Notre public y-est très attaché, on m’en parle souvent. Pendant un moment, je me disais : « Nous sommes tellement meilleurs maintenant »… Plus maintenant ; nous étions juste différents, rien à voir avec une question de niveau. Si nous essayions de refaire ce disque aujourd’hui, nous en serions incapables. Chaque disque est une capsule temporelle, un instantané de vous-même à un instant précis de votre existence et de votre développement.

Paru deux ans plus tard, ″Sea of Noise″ témoigne d’une évolution assez fulgurante…

Le deuxième album, c’est le moment où tu clarifies ton offre. Si on avait fait ″Half the City 2″, notre message aurait été : « Voilà tout ce qu’on peut faire, n’attendez pas autre chose de nous ». Nous avons beaucoup hésité. On ne voulait pas casser notre notoriété naissante, nous souhaitions conserver la dynamique, mais en même temps, nous devions définir une direction artistique claire. Nous avons eu besoin d’un temps de maturation important. ″Sea of Noise″ est sans conteste le disque le plus difficile que nous ayons eu à écrire.

Avec ″Young Sick Camellia″ [2018], on a le sentiment que vous rompez les amarres. Rien que le titre, déjà… On est loin des clichés de la soul !

J’ai voulu exprimer mon amour pour Le Caravage. Le disque est basé sur son tableau, Le Petit Bacchus malade, et sur la fleur de l’État d’Alabama. C’est un album extrêmement personnel, il y a des enregistrements de mon grand‑père dessus. J’avais même imaginé une trilogie : la terre, le sous‑sol, le ciel. Peut‑être qu’un jour je parviendrai à la terminer. C’est à partir de là qu’on a commencé à adopter une attitude très exploratoire. Et l’un de nos plus grands succès, Apollo, est extrait de cet album. Nous nous sommes dit que nous pouvions libérer notre créativité sans rompre le contact avec notre public. L’un n’empêche pas l’autre. Au contraire.

Quand l’inspiration débarque, j’écris. Je suis exigeant sur la signification des mots, leur sens profond. Et si l’un des musiciens a une bonne idée, j’ouvre grand les oreilles.

Paul Janeway

″The Alien Coast″ [2022] pousse la démarche encore plus loin.

Là, c’était l’expérimentation totale ! Quelle que soit notre muse, on la suivait. On a bouclé le disque en février 2020 — puis le monde s’est arrêté. Pandémie mondiale… On a dû patienter avant de le sortir car il était inenvisageable de ne pas partir le défendre en tournée juste après. Nos chansons sont conçues pour vivre sur scène. Je reconnais que cet album exprime une vraie noirceur, qui correspondait bien à son époque. Le confinement, le temps qui s’arrête, le sentiment de basculer dans un nouveau monde sans réellement en comprendre les implications. C’était un grand virage pour nous. Je suis reconnaissant que cet album existe. Il marque l’aboutissement de notre phase de recherche, de prise de risques.

Le magnifique ″Angels in Science Fiction″ [2023] vous voyait revenir à des sonorités plus organiques sans que l’on puisse non plus le qualifier de conventionnel…

Nous avons enregistré ″The Alien Coast″ en février 2020. Le mois précédent, ma femme apprenait qu’elle était enceinte. Explosion de créativité ! ″Angels in Science Fiction″, c’est une série de lettres adressées à ma fille avant sa naissance. Je ne savais pas dans quel monde elle arrivait. C’est le seul disque que j’ai hésité à sortir — pas pour des raisons commerciales, ça non, je m’en fichais. Mais le propos était si personnel… Je me devais de l’écrire. Les conditions d’enregistrement, en septembre 2020, furent vraiment particulières. De tous nos albums, c’est celui qui ressemble le plus à un disque folk — curieusement. C’était l’idée : réaliser quelque chose de minimaliste. Ce qui est très difficile à faire quand on est huit musiciens. Mais vu la manière dont on a travaillé — à Memphis, en entrant deux par deux dans le studio pour respecter les règles de distanciation sociale — on a versé dans l’ascétisme. Pour toutes ces raisons, il restera probablement toujours mon préféré.

Votre dernier LP en date, ″St. Paul & The Broken Bones″ [2024] marquait le retour à une certaine orthodoxie, complétée d’une dimension pop que l’on ne vous connaissait pas encore.

Sur les précédents, nous avions cherché à innover. On était allés loin. Puis je me suis pris de passion pour les grands compositeurs des années 60, 70, même 80 — la pop, les bandes originales de films, la musique classique. ″Angels in Science Fiction″ ressemble à la conclusion d’un livre. Si je mets ″Half The City″ de côté, qui nous a sais tels que nous étions, nous avions cumulé sept années de studio, sept années d’aventures sonores — et sept ans, c’est un cycle complet. Picasso évoluait tous les sept ans. Et nous avons soudain réalisé que nous n’avions pas besoin d’être un restaurant aux trois étoiles Michelin. Nous pouvions très bien envisager la suite comme un barbecue local au bord de la route. C’est une autre mentalité. On est à l’aise avec ça. Poser des limites à l’expérimentation est plutôt aidant. C’est même très satisfaisant.

Malgré quelques tentatives plutôt discrètes (3), vous n’avez pas encore sorti d’album live officiel. C’est surprenant quand on connait votre puissance scénique.

C’est amusant que vous me disiez cela car c’est exactement ce à quoi nous réfléchissons en ce moment. Publier un disque en concert, un “Live From Wherever”, qui témoignerait de l’ambiance et de la ferveur du groupe sur les planches, ainsi qu’un live en studio avec de longs passages improvisés — filmé, enregistré, libre, jazz. Beaucoup de musiciens du groupe ont ce background et possèdent les capacités techniques nécessaires. On veut vraiment œuvrer dans cette direction.

Après toutes ces années passées à écrire, comment parvenez-vous à renouveler votre inspiration ?

Ecrire est une activité thérapeutique pour moi. Peut‑être qu’un jour je me retrouverai bloqué, on verra, mais en attendant, j’essaie de garder l’esprit vif — les yeux, physiques, mentaux, spirituels grand-ouverts. La vie, l’art, sous toutes ses formes, m’inspirent. J’adore visiter des musées, j’en ressors en général la tête remplie d’idées. L’inspiration, ce n’est pas seulement attendre qu’une chanson tombe du ciel. C’est rester ouvert. C’est comme ça qu’on tient l’ennui ou le rabâchage à distance.

Propos recueillis par Ulrick Parfum le 17 octobre 2026

Photo d’ouverture : © St. Paul & The Broken Bones DR

A écouter :

ʺLive At Southern Groovesʺ ★★★★ ½ (lire la chronique)

ʺProxyʺ ★★★★★ (lire la chronique)

(1) Jeune (il n’a pas encore quarante ans) producteur réputé de Memphis. Encore adolescent, il intègre les studios Sun et les quitte une décennie plus tard pour travailler avec Jason Isbell, avec lequel il remporte son premier Grammy. D’autres collaborations prestigieuses suivront (John Prine, Don Bryant, Margo Price, Sean Rowe… et St.Paul & The Broken Bones, à de multiples reprises). Il ouvre ses studios de 3 000m2 en 2021 (en pleine crise du disque !), un lieu de rêve qu’il a imaginé et conçu dans ses moindres détails.

(2) Eg White est un songwriter et producteur britannique passé des groupes 80s (Yip Yip Coyote, Brother Beyond) à une carrière d’auteur-compositeur. Il a composé pour Will Young, Adele, Duffy, James Morrison, Florence + the Machine ou Sam Smith, devenant l’un des artisans les plus influents de la pop britannique moderne.

(3) ″Live From Wichita″ (2020)″ et ″Half The City Live″ (2021), excellents mais uniquement parus en digital et, pour le second, en double vinyle à diffusion limitée. Citons également les trois titres explosifs enregistrés pour l’émission Tiny Desk Concerts et les sept morceaux captés au festival Texan SXSW et diffusés par Spotify en 2014.