Le trio Muddy Gurdy consolide son rapport à la terre et à l’histoire. Ils ont enregistré leur premier disque dans le Mississippi et sont partis à l’autre bout du lien pour le deuxième, au cœur de l’Auvergne. Après le portrait dressé dans Soul Bag n° 243 en juin, voici l’entretien complet.

Pour le premier disque de Muddy Gurdy, vous avez enregistré sur place dans le Mississippi avec la participation d’artistes locaux. Pour celui-ci vous avez enregistré en France, dans une autre forme de ruralité. Quelle est la ligne directrice de ce mouvement ?

Marc Glomeau : Pour ce qui concerne “l’enfant du Bourbonnais” que je suis, la “ligne directrice” est le fruit d’une quête personnelle sur mes racines musicales, via les musiques traditionnelles d’Auvergne associées à d’autres cultures. Cette “introspection” a débuté en 2009 avec la réalisation d’un projet associant la vielle à roue et les musiques afro-vénézuéliennes, projet pour lequel j’avais contacté Gilles Chabenat que je ne connaissais pas alors. Un peu avant j’avais rencontré Tia, avec qui nous avions d’abord travaillé en duo (percussions, guitare voix), expérience qui m’a incité à lui proposer d’inviter Gilles et sa vielle pour former ce trio autour du blues. Nous avons très vite compris que nos parcours musicaux, bien que différents, avaient comme dénominateur commun un lien profond à la ruralité. Lorsque l’on ouvre ce genre de porte, on prend conscience que la relation de l’homme à “sa” terre natale, ou à la terre où il va vivre (à lire le concept de “Rhizome” développé par Edouard Glissant sur une identité plurielle) est au cœur des musiques populaires, partout dans le monde.

Les instruments et les langues peuvent changer, les pratiques musicales également, mais les thèmes abordés dans les textes sont étrangement similaires. Dans ces sociétés rurales, la musique apparaît comme une fonction, elle rythme le quotidien des gens, de leur naissance à leur mort. La musique est dépourvue de tous les artifices du business, elle reste authentique et intimiste. En cela les musiques d’Auvergne sont les mêmes que celles du Mississippi, du Maghreb ou d’Afrique. Dans Mississippi Blues du regretté Bertrand Tavernier, Robert Parish raconte sa rencontre avec Renoir à propos de son film L’homme du sud et lui demandait : « Comment se fait-il que vous connaissiez aussi bien les gens du sud des États-Unis sans jamais y avoir mis les pieds ? » Il lui répondit : « Je connais les paysans ! » Pour nous c’est cela l’universalité.

Gilles Chabenat : On dit parfois que le folklore consiste à fantasmer le passé et l’exotisme l’ailleurs. Qu’elles viennent d’un lointain passé ou d’une culture lointaine, certaines musiques sont de véritables joyaux bruts, irréductibles, qui nous touchent au cœur.

“Nos parcours musicaux ont comme dénominateur commun un lien profond à la ruralité.”

Marc Glomeau

Vous auriez pu enregistrer dans un studio auvergnat local, ce qui aurait déjà été quelque chose, mais vous êtes allés plus loin que ça en enregistrant dans des lieux encore plus naturels. Que recherchiez-vous ?

Marc Glomeau : Ce que nous cherchons est d’être le plus sincère, cohérent et honnête possible dans ce que nous proposons. Aux États-Unis, nous aurions pu louer des studios “mythiques” comme Sun, ou Royal Studios, mais ce n’est pas ce que nous recherchions. Dans le même esprit, pour cet album du “retour à la maison”, il était évident qu’aucun studio en Auvergne ou ailleurs ne pouvait générer une force émotionnelle comparable à celle des monts et volcans d’Auvergne. Chaque lieu où nous avons choisi de nous installer était porteur d’une mémoire qui nous saisissait en y entrant. Il fallait jouer avec ces émotions, capter ces acoustiques, ces rencontres (ce que Pierre Bianchi a fait magnifiquement) plutôt que de se “confiner” dans un studio pour les recréer “chimiquement”.

Tia Gouttebel : L’idée était d’associer une chanson au lieu dans lequel elle sera enregistrée. Par exemple, pour la chapelle du 12e siècle de Roche-Charles, un lieu magique et perdu (nous n’avions pas réussi à la trouver par deux fois sur nos repérages précédents l’enregistrement), j’ai écrit une chanson sur une vierge noire. Je savais qu’il y avait là-bas un pèlerinage avec une vierge noire et c’est un sujet sur lequel je voulais écrire depuis quelque temps. J’ai lu et me suis documentée sur les légendes les concernant, ces femmes indépendantes, libres, protectrices des voyageurs… Certains disent qu’on peut remonter jusqu’à l’Egypte pour les origines. J’ai créé une histoire en lien avec ce que j’avais pu lire et ce que je voulais mettre en avant.

C’était très fort d’être dans cette petite chapelle après une marche assez longue, avec très peu de matériel, mais aussi aucun confort d’écoute (notamment pour la voix, je n’avais aucun retour, rien à voir avec un studio). Chaque lieu porte une empreinte sur les chansons et nous influence forcément. Enregistrer Strange fruit à la tombée de la nuit dans un cratère de volcan, se retrouver à lutter contre de grosses rafales de vent tout en chantant et jouant pour You gotta move, pour Chain gang et Tell me you love me, il faisait 6°C dans la grange où nous avons enregistré, les éléments naturels, la météo, la puissance de la nature, il faut jouer avec tout ça, s’adapter, s’imprégner et garder le résultat, ne pas faire de retouches, c’était aussi ça l’idée.

Gilles Chabenat : On a privilégié l’émotion et l’atmosphère. Le choix d’un lieu est déjà une option musicale. Quand Tia écrit Black Madonna, elle pense tout de suite à La Chapelle pour son acoustique, naturellement, mais aussi pour son histoire liée au pèlerinage de la Vierge noire.

“Aucun studio ne pouvait générer une force émotionnelle comparable à celle des monts et volcans d’Auvergne.”

Marc Glomeau

Certains lieux ont dû être rejoints moyennant des efforts physiques certains, étiez-vous aussi en recherche sur vous-mêmes ?

Marc Glomeau : En Auvergne, l’effort physique commence dès que l’on quitte la route ! Certains lieux n’étaient accessibles qu’à pied, mais c’est là que nous voulions aller pour une foule de raisons. Il est vrai que lorsque l’on passe une semaine dans une ferme d’estives à 1 300 m d’altitude, dans un contexte aussi terrible que celui que nous vivons depuis plus d’un an, on se reconnecte à la liberté. Tous les matins on ouvre ses volets sur un paysage exceptionnel, vierge de toute pollution visuelle et sonore. On regarde le jour décliner, on “écoute le silence” de la nuit étoilée, on se reconnecte à la mère nature (ça y est je m’emballe). Alors oui, sûrement, plus ou moins consciemment, Muddy Gurdy est très probablement une forme de “recherche sur nous-mêmes”. À mes yeux, la musique est une constante recherche sur soi, une remise en question permanente, qui implique de ne jamais se complaire dans sa zone de confort en se contentant de décliner un savoir-faire. Avec Muddy Gurdy, de par notre instrumentation et nos personnalités, nous sommes en perpétuelle exploration et c’est ce qui rend ce projet aussi passionnant.

Tia Gouttebel : C’était assez sportif de changer de lieux si souvent, mais à chaque fois, il y a une certaine magie qui s’installe. On s’est aperçu parfois de certains liens entre les chansons et les lieux qui nous avaient échappés. Comme le bistro de montagne, L’Ecir et L’Angélique, où nous avions choisi d’enregistrer MG’s boogie (boogie avec des passages en bourrée), nous avons appris qu’auparavant c’était une salle où les gens dansaient la bourrée. Pour ma part, j’ai découvert des lieux, des légendes, des personnages que je ne connaissais pas, à côté de chez moi. Muddy Gurdy c’est aussi un trio qui est en constante recherche avec bien sûr toujours le blues comme fil conducteur.

Gilles Chabenat : Je viens d’évoquer le pèlerinage… On avait envie de retrouver l’idée d’une sorte de cheminement initiatique comme dans le Mississippi.

Qu’est-ce que le briolage ? Comment avez-vous fait le lien ? Chant de travail, d’accord, mais encore ?

Marc Glomeau : Pour Georges Sand ou Alain Fournier, le briolage est un chant dont la pureté est sans égal, qui exprime l’infinie solitude du paysan labourant sa terre avec son attelage de bœufs. Le lien avec le briolage est apparu en discutant avec Gilles il y a deux ou trois ans sur les “musiques de fonction”. Le briolage en est une extraordinaire incarnation. Il n’a de raison d’être que dans le contexte du labour. Lorsque la mécanisation est arrivée, le briolage a disparu et les derniers brioleurs se sont tus. Maxence Latrémolière (28 ans) a beaucoup travaillé sur cette pratique méconnue, au point de la faire revivre d’une autre manière. Pour nous, elle est une forme de blues de nos contrées dans ce qu’elle a de plus puissant. Pour l’anecdote, des recherches ont révélé l’existence de formes de briolage un peu partout dans le monde (Japon, Maghreb, Roumanie, etc.).

Tia Gouttebel : Le briolage est une manière très particulière de chanter puisque cela se faisait en pleine nature dans l’effort du labour afin d’encourager les bœufs. Cela montre aussi le caractère paysan, être proche de ses animaux. Lorsque nous avons rencontré Maxence Latrémolière et entendu sa façon de chanter, c’était saisissant car ça nous a fait évidemment penser aux field hollers. Les mélodies sont surprenantes et on a parfois l’impression que ces chants viennent d’ailleurs. Par ce côté universel du travail de la terre, l’association du briolage et du blues nous apparut comme une évidence.

Gilles Chabenat : J’ai découvert le bricolage il y a bien longtemps grâce à Mick Baudimant, un ami musicien. J’avais évoqué auprès de Tia et Marco, le caractère à la fois inouï et universel de ce chant de travail, si délicat à restituer hors de son contexte. Maxence Latrémolière, avec la sensibilité de sa génération, en donne une version très émouvante, pleine de force et de justesse.

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“Par ce côté universel du travail de la terre, l’association du briolage et du blues nous apparut comme une évidence.”

Tia Gouttebel

Comment avez-vous embarqué vos invités musiciens dans le projet ?

Marc Glomeau : Les musiciens des musiques traditionnelles sont infiniment plus proches d’un bluesman du Mississippi qu’on ne le pense. Notre proposition les a immédiatement séduits car, pour eux, elle entrait en résonance totale avec leurs parcours et ce qui les anime profondément. Lorsque Didier Champion (musicien, chanteur et danseur de bourrée) dit dans la vidéo bonus à télécharger sur notre site : « Pour moi, quand j’entends les chanteurs de blues, ce sont mes grands-pères que j’entends, il y a quelque chose d’universel là-dedans », il a tout résumé. Nous sommes extrêmement fiers d’avoir partagé tous ces moments avec chacun d’entre eux. Ce sont nos griots à nous, ils sont les passeurs d’une mémoire qui nourrit et inspire les jeunes générations. À ce sujet, comme nous l’avions fait pour le Mississippi, nous allons produire un documentaire de 20 minutes sur l’enregistrement de cet album, réalisé par Yannick Demaison, qui sortira d’ici l’été.

Tia Gouttebel : Toutes les rencontres étaient inspirantes. Les invités sont des passionnés qui maîtrisent très bien leurs instruments et ont su parfaitement s’adapter à ce qu’on leur demandait. Nous ne sommes pas dans un cadre de musique traditionnelle, mais ils ont vraiment amené chacun des éléments de leur culture avec beaucoup d’enthousiasme et de talent. Tout comme dans le Mississippi, les choses se sont faites naturellement. Je pense qu’au-delà de l’échange musical, ce qu’il les a séduits aussi dans l’idée d’enregistrer avec nous c’était le cadre des “studios naturels”, la manière dont nous allions enregistrer, les thèmes abordés.

Propos recueillis par Christophe Mourot en mai 2021.
Photo d’ouverture : Muddy Gurdy et Maxence Maxence Latrémolière. © Thierry Durand

muddygurdy.com